Noite Estrelada é uma das obras mais conhecidas de Vincent Van Gogh.

Análise da obra:"Noite Estrelada", de Vincent Van Gogh

Noite Estrelada é uma das obras mais conhecidas de Vincent Van Gogh. O quadro foi pintado quando ele tinha 37 anos e estava internado num asilo em Saint-Rémy-de-Provence (1889-1890). A obra encontra-se actualmente na colecção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA).

Ao contrário de muitas das suas obras,  Noite Estrelada foi pintada de memória, e não a partir da vista correspondente de uma paisagem. Durante ao tempo em que esteve no asilo, Van Gogh  dedicou-se a pintar as paisagens da região da Provence.

A paisagem retratada mistura o real com imagens da sua memória, como uma igreja tipicamente holandesa. É notável o contraste entre a calma da pequena vila representada e o caos celestial. Os ciprestes são o elo de ligação entre a terra e o céu. A obra é dividida no plano horizontal pela linha do horizonte e no plano vertical pelo cipreste. O povoado longínquo, de pequenas casas, contrasta fortemente com o cipreste em primeiro plano que se destaca e ajuda ao equilíbrio da composição As pinceladas são curvilíneas, e integram-se de maneira rítmica sobre a superfície da pintura. Estrelas brilhantes pulsam como mini-sóis. Ondas luminosas cortam o centro da tela, parecem ter vida própria. No canto superior direito, chama a atenção a lua que ganhou feições de um sol que transforma em quase dia. Enquanto isso, o vilarejo, com a sua igreja de torre alta, parece adormecer alheio ao céu estrelado cheio de explosões emotivas de Van Gogh. 

A pintura foi a inspiração para a canção  de Don McLean, "Vincent", que é também conhecida como Noite Estrelada é uma das obras mais conhecidas de Vincent Van Gogh..

Fontes:http://super.abril.com.br/cultura

http://www.moma.org/

wikipedia (Imagens)

 

The Starry Night  - Noite Estrelada (1889) - Vincent Van Gogh

Outras Noites Estreladas

Starry Night Over the Rhone  - Noite estrelada sobe o Ródano  (1888)

A mesma vista do Ródano em 2008

Cafe Terrace at Night (1888)

Road with Cypress and Star -  Estrada com cipreste e estrela (1890)

http://estoriasdahistoria12.blogspot.com.br/2013/07/analise-da-obranoite-estrelada-de.html

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Felicidades e Grata por sua atenção e voto. Maria Lopes.

Nascimento de Vênus é uma obra do pintor italiano Sandro Botticelli.

Nascimento de Vênus é uma obra do pintor italiano Sandro Botticelli.

O Nascimento de Vênus é uma obra do pintor italiano Sandro Botticelli. A pintura mostra a Vênus surgindo nua de uma concha sobre as espumas do mar. A obra ainda apresenta Zéfiro, o vento do Oeste, assoprando na direção da deusa, acompanhado pela  ninfa Clóris.  À direita de Vênus, há uma Hora (deusas das estações) que lhe entrega um manto com flores bordadas.

Provavelmente, Botticelli tenha feito a obra no ano de 1486. Na época, O Nascimento de Vênus e A Alegoria da Primavera, ambos de Botticelli, foram produzidos por encomenda de Lorenzo di Pierfrancesco, um político e banqueiro italiano que queria enfeitar sua residência, a Villa Medicea di Castello.

Esta obra de Botticelli foi influenciada pelo neoplatonismo cristão, pois o pintor havia participado dos círculos de Lourenço de Médici, que tinham por objetivo conciliar as ideias clássicas às cristãs.

Acredita-se que a nudez da deusa não representa a paixão carnal, mas sim a paixão espiritual. Na obra, Vênus é apresentada de forma esguia e com traços harmoniosos. Além disso, Botticelli utilizacores claras e puras, exaltando a pureza da alma e a beleza clássica.

Em sua totalidade, a obra apresenta serenidade e luminosidade, o que pode ser compreendido de duas formas. De certa maneira, aponta para a temática mitológica, levando-se em e consideração a influência das esculturas gregas na composição da Vênus. Por outro lado, a obra apresenta símbolos cristãos como a concha e a água (batismo de Jesus Cristo), além dos anjos, que seriam Zéfiro e Clóris.

Ao contrário das obras de Leonardo da Vinci e Rafael, a anatomia de O Nascimento de Vênus não apresenta o realismo clássico. Nota-se que o pescoço da deusa é mais longo e seu ombro esquerdo tem uma representação anatômica incorreta. Acredita-se que estes erros sejam uma espécie de licença artística de Botticelli, sendo que alguns críticos de arte indiquem estes detalhes como influência do Maneirismo, que era uma vertente revisionista dos valores clássicos e naturalistas do Humanismo renascentista.

Fontes:
http://educacao.uol.com.br/biografias/sandro-botticelli.jhtm
http://www.infopedia.pt/$o-nascimento-de-venus-(pintura)http://en.wikipedia.org/wiki/The_Birth_of_Venus_(Botticelli)

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A Arte Sacra foi a primeira expressão artística no Brasil colonial.

Por Ana Lucia Santana

A Arte Sacra foi a primeira

 expressão

 artística no Brasil colonial.

Arte religiosa e arte sacra não têm o mesmo significado, pois uma obra pode ser produzida sob a inspiração divina, mas não ser voltada para o culto. Portanto, esta tem um destino concreto, o de servir a rituais litúrgicos. Jacques Maritain destaca a distinção, dentro da esfera da arte, da produção cristã e, inserida nesta, a atuação da arte sacra, através de elementos espirituais que compõem sua essência.

Hall da Biblioteca Apostólica Vaticana. Foto: Francesco Dazzi / Shutterstock.com

A arte sacra popular não apresenta formas lapidadas, enquanto a arte sacra clássica revela artistas com um talento sublime. A arte religiosa é um reflexo da essência humana, um processo interno do artista, sua imagem do amor divino. Ela é, assim, subordinada à religião institucional. A arte sacra está, portanto, impregnada dessas características, mas diferencia-se por ser imanente ao culto sagrado. Sua intenção é despertar nos fiéis emoções puras e singelas, revelar-lhes a visão do Paraíso ainda na Terra, um lampejo da perfeição. Mas estas obras, distintas das cristãs em geral, não devem chocar os freqüentadores das Igrejas nas quais estão expostas, nem ferir suscetibilidades, muito menos criar controvérsias ou questionar dogmas e conceitos religiosos. Seus fins são estritamente pragmáticos.
Não seria apropriado, por exemplo, rezar a Missa diante de um quadro, por maior que seja seu valorartístico. Não importa, assim, o significado estético ou o elemento sensível da obra, e sim sua capacidade de elevar os sentimentos dos que a contemplam – ela deve ser um símbolo do mistério divino. Em resumo, ela deve adequar-se às cerimônias litúrgicas, mas conservar ao mesmo tempo as qualidades estéticas do que se conhece como arte, expressando com um estilo próprio sua linguagem particular.
A Igreja sempre abrigou em seu núcleo as manifestações artísticas, mas na esfera privada dos seus rituais ela não admite princípios profanos, assim ela cria rigorosos critérios de seleção e procura discernir o que se ajusta à fé cristã e às suas tradições. Contra a iconoclastia calvinista, o Concílio de Trento destaca a importância de algumas imagens, como as de Cristo, da Virgem Maria e dos santos, sem incidir em atitudes abusivas.
O Código de Direito Canônico regula a construção de Igrejas, as imagens permitidas nos recintos religiosos, os objetos litúrgicos utilizados nos rituais, os sacrários aceitos e a manutenção deste patrimônio artístico. Acima das preferências do artista, deve estar a utilidade da obra e os interesses da comunidade cristã. Assim, não há formas fixas, cristalizadas, na Arte Sacra, não há um estilo definido. Ocorrem várias mudanças ao longo do tempo, pois a Igreja não se considera proprietária desta produção artística. Para seus representantes, o importante é se apropriar das formas e das técnicas de cada época e desta maneira melhor servir à congregação religiosa. Este critério também vale para as vestes e decorações sagradas.
Houve o predomínio, durante muito tempo, dos exageros barrocos, nascidos da ilusória idéia de que tudo relacionado a Deus deve ser excessivo, grandioso, envolto em camadas de ouro, cores e brilhos. Movimentos como os dos franciscanos pregam a simplicidade e a beleza, essência divina. Mas noVaticano e em algumas outras importantes Catedrais vigora ainda o reinado do ouro e dos exageros formais. No Brasil, bem como em toda a América, predomina o Barroco Mineiro, com destaque para Atahide e Aleijadinho, conhecidos mundialmente. A Arte Sacra foi a primeira expressão artística no Brasil colonial.

Arquivado em: Artes

https://stileantico.wordpress.com/2013/01/29/biblioteca-apostolica-vaticana-manoscritti-digitalizzati/

Conheça a Arte Existente na Biblioteca do Vaticano. Deslumbrante.

Biblioteca Apostolica Vaticana: Manoscritti digitalizzati

https://stileantico.wordpress.com/2013/01/29/biblioteca-apostolica-vaticana-manoscritti-digitalizzati/

Os artistas expressam em suas obras todos os seus sentimentos.

Os artistas expressam em suas obras

 todos os seus sentimentos.

Um desenho feito pelo homem na Pré-História

A arte data desde a Antiguidade, quando os homens da Pré-História desenhavam a arte rupestre (desenhos feitos nas cavernas). As figuras representavam a caça, mas isso não significava como o grupo vivia; pois elas tinham um caráter mágico, faziam com o que o grupo se preparasse para a tarefa que garantiria a sobrevivência.

A palavra “arte” teve muitos significados durante a história. Sempre houve uma pequena discussão, pois alguns pesquisadores acham que a arte é uma forma de criação, já outros acreditam que é uma forma de imitação.

A arte foi se subdividindo em estilos, com o tempo, tais como: barroco, gótico, romântico e outros.

O surgimento do Renascimento fez com que a arte se dividisse em conceitos: a pintura, literatura, música, escultura, arquitetura e a arte feita com cerâmica, tapeçaria e etc.

Depois do século XIX, a arte teve como objetivo retratar a beleza. Já no século XX, a arte passou a se referir, principalmente, às artes plásticas.

Toda arte criada é uma consequência do trabalho feito pelo homem. Em cada uma delas expressam a personalidade do artista, onde mostram o período em que foram feitas, criadas e suas influências culturais.

Muitas vezes o artista se preocupa com a beleza da sua obra. Isso faz com que ele busque matérias-primas que aproximem sua obra do mais real possível. Os artistas expressam em suas obras todos os seus sentimentos.

Com o tempo a arte foi se modificando. Com isso, a história da arte pode ser dividida de acordo com a divisão dos períodos da história da humanidade: Antiga, Medieval, Renascentista e Moderna.

http://www.mundoeducacao.com/artes/a-historia-arte.htm

Surrealismo - a arte do inconsciente

O Surrealismo foi um movimento artístico e literário surgido primeiramente em Paris dos anos 20, inserido no contexto das vanguardas que viriam a definir o modernismo no período entre as duas Grandes Guerras Mundiais. Reúne artistas anteriormente ligados ao Dadaísmo ganhando dimensão internacional. Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), mas também pelo Marxismo, o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. Um dos seus objetivos foi produzir uma arte que, segundo o movimento, estava sendo destruída pelo racionalismo. O poeta e crítico André Breton (1896-1966) é o principal líder e mentor deste movimento.A palavra surrealismo supõe-se ter sido criada em 1917 pelo poeta Guillaume Apollinaire (1886-1918), jovem artista ligado ao Cubismo, e autor da peça teatral As Mamas de Tirésias (1917), considerada uma precursora do movimento.Um dos principais manifestos do movimento é o Manifesto Surrealista de (1924). Além de Breton seus representantes mais conhecidos são Antonin Artaud no teatro, Luis Buñuel no cinema e Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas.As características deste estilo: uma combinação do representativo, do abstrato, do irreal e do inconsciente. Entre muitas de suas metodologias estão a colagem e a escrita automática. Segundo os surrealistas, a arte deve se libertar das exigências da lógica e da razão e ir além da consciência cotidiana, buscando expressar o mundo do inconsciente e dos sonhos.

http://www.hierophant.com.br/arcano/posts/view/Fool/794

Arthur Bispo do Rosário é considerado um dos maiores artistas brasileiros do século 20.

Arthur Bispo do Rosário é considerado um dos maiores artistas brasileiros do século 20. 

O artista do lixo

Arthur Bispo do Rosário é considerado um dos maiores artistas brasileiros do século 20. Com raro talento, ele se considerava um enviado de Deus na Terra, com a missão de salvar as pessoas. Trabalhava sozinho e catava lixo para conseguir material de trabalho, como bonecas velhas, óculos, cordões, embalagens plásticas e chinelos, entre outros. Ora ele gostava de fazer bordados, ora fazia acúmulos de objetos do dia-a-dia e, às vezes, pegava vassouras para fazer obras de arte. Acima, você vê uma das suas principais criações: O Manto de Apresentação.

Arthur desfiava seu próprio uniforme e usava os fios para costurar e bordar os seus trabalhos. Na exposição, há um grande painel com objetos feitos desses fios, como instrumentos musicais, brinquedos e utensílios domésticos, entre outros. Na Mostra do Redescobrimento, também estão expostos outras obras do artista como o Manto de Apresentação. Arthur Bispo do Rosário ficou internado por mais de 50 anos na Colônia Juliano Moreira, tendo morrido aos 78 anos.

http://chc.cienciahoje.uol.com.br/a-arte-do-inconsciente/

A Arte da Música

Jeneba Kanneh-Mason plays Chopin Fantasie Impromptu

We can't say enough of the importance of investing in our children and teaching them music and art. Jeneba Kanneh-Mason of the famed Mason kids plays Chopin Fantasie Impromptu

Posted by Darryl A Chamberlain on Domingo, 5 de julho de 2015

Comunicado Importante aos amigos do blog Maria Lopes e Artes.

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